JUANFRA PEÑAS
FOROS DE PARTICIPACIÓN
LAS SEÑORITAS DE AVIGNON, ¿PRECURSORAS DEL CUBISMO O REINTERPRETACIÓN DE LA MÁSCARA AFRICANA?
Tras la lectura del texto, se puede entrever y destacar el proceso inicial de cómo Picasso va a ir incorporando nuevos conceptos en sus obras para el mundo de la pintura. Conceptos básicos que permiten entender el movimiento cubista.
El cuadro de “Las señoritas de Avignon” (1907) es una de sus obras pertenecientes al inicio del cubismo por lo que muchos de los elementos que incorpora son innovadores y rompedores y aparecen entremezclados con elementos clásicos. Aun así, estos nuevos elementos van tomando un protagonismo más que importante al ser sumamente llamativos a la hora de visualizar la obra.
Del análisis de esta obra en cuestión, se pueden observar algunas de estas novedades que, además, forman parte de la definición propia del cubismo:
- No existe la perspectiva sino que todos los elementos y colores son planos. Es más, juega con dos posiciones a la vez para mostrar varios puntos de vista en una misma imagen.
- Hay una simplificación máxima del dibujo recurriendo para su ejecución a las figuras geométricas básicas.
- Las “venus” centrales a las que recuerdan estas mujeres van cambiando según nos fijamos en las mujeres de los extremos. Pasan de tener unas formas suaves a formas más marcadas, angulosas y geométricas, llamando mucho la atención la evolución de las caras. Éstas son más “reconocibles”, clásicas y entendibles a nuestros ojos en las mujeres del centro. Es siguiente paso en esta evolución es la cara de la mujer de la izquierda, donde la simplificación ya se hace notar en una cara de perfil; para, finalmente, acabar con dos caras totalmente nuevas y llamativas (las situadas a la derecha), que recuerdan a las pinturas rupestres –alargadas y de primates- y a las máscaras africanas.
A partir de este punto se puede hacer una reflexión sobre el título de este foro. La simplificación característica del cubismo y la exageración de las formas y rasgos puede hacer pensar que, en algunas ocasiones, algunas obras de este estilo de pintura puedan ser reinterpretaciones de movimientos pasados.
En este caso, se puede pensar que las caras de las mujeres de la derecha pueden ser reinterpretaciones de las máscaras africanas. Lo cierto es que esta obra pertenece al punto de partida del cubismo y es más que probable que las referencias pictóricas de Picasso se hagan más notorias que su propio estilo y por ello se mezclan estilos más clásicos y novedosos en una misma obra. Se podría decir que esta obra surge a partir del bagaje del propio Picasso, del inicio de la geometrización, de la simplificación, de la deformación y del no uso de la perspectiva, entre otros muchos elementos propios del cubismo.
En todo inicio se tiende a imitar o copiar elementos propios de nuestro conocimiento y nuestras experiencias. Es el punto de partida. Por lo que no es de extrañar que hasta que Picasso no se hiciera con su estilo totalmente personal y reconocible en el mundo, y único de la época, hiciera reinterpretaciones a su estilo de todo lo que ha vivido y experimentado, muchas veces sin ser consciente de ello. Por ello, “Las señoritas de Avignon” podrían tratarse, por formar parte del inicio de este estilo de pintura, como las precursoras del cubismo Y como una pequeña reinterpretación de la máscara africana, observada en dos de las cinco mujeres en la obra. En este caso, la idea del cubismo y la reinterpretación de la máscara africana no son excluyentes sino que pueden formar parte la una de la otra.
La lectura propuesta sobre "Las Señoritas de Avignon" se puede visualizar aquí.
EL ARTE Y LA BELLEZA
Se trata de profundizar sobre las distintas formas de cómo afrontamos, nos enfrentamos y reaccionamos cuando estamos frente a una obra de arte, en particular, pero que se puede atribuir al arte en general.
El arte está más allá del lenguaje verbal. Busca despertar en el espectador una sensibilidad interior que le permite olvidarse por un momento de su parte racional de su ser y poner en práctica la parte más sensitiva, por qué no decirlo, más mística. No se rige por normas sino que es espontánea, no tiene por qué ser compartida pero a la vez una misma obra puede tener varias interpretaciones y respuestas que conquiste de igual forma a distintos públicos.
Eso es lo que busca un verdadero artista con su obra: ese despertar de las distintas sensibilidades de los diferentes espectadores que la observan mediante una forma propia de entender un concepto concreto o el mundo.
Pero hoy en día esta práctica de arte como una forma de expresión propia con la intención de conquistar y cautivar al espectador ya no es tan generalizada. Algunos “falsos” artistas ven el arte como una máquina de hacer dinero y el materialismo hace que el arte no se muestre como debe ser.
Algunas personas creen que el arte de la imitación pertenecería a este tipo de arte no real pero no hay por qué verlo desde esta perspectiva. Al fin y al cabo NADIE crea una obra, un objeto o algo de la nada. Todo requiere de una experiencia previa, y si no, la Naturaleza ha pensado antes por nosotros y es lo más probable que sea la base de la idea que se quiere plasmar en la obra. El artista que imita se fija y realza percepciones que para él son importantes. No copia por copiar sino que enfatiza en lo que él quiere transmitir realzando y destacando detalles que puede que para el resto hayan pasado totalmente desapercibidos y, de igual manera, conseguir despertar la sensibilidad del espectador, tanto o más, que otro artista que “no imite”.
También hay otro tipo de personas vinculadas al mundo del arte que dicen ser artistas por pensar en cómo puede ser la obra de arte sin nunca llegar a ejecutarla. Eso no se puede considerar arte. Arte es la unión de técnica e inspiración, es decir, saber cómo plasmar el ideal de Belleza que se tiene en la mente y transmitirlo con las técnicas adecuadas para que el espectador, en su libre albedrío de pensamientos, sepa captar la esencia y muestre una sensibilidad ante la obra.
Pero, ¿qué es más difícil? ¿Tener la inspiración o disponer de la técnica adecuada para realizar esa obra? Algunos tienen esas dos habilidades de forma innata; otros, la consiguen mediante el trabajo y el esfuerzo; y otros muchos fracasamos en el intento de llegar con éxito a alguna de ellas.
La lectura propuesta sobre las nuevas tecnologías se puede visualizar aquí.
LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS, ¿UN IMPULSO O UN LASTRE PARA EL DIBUJO ARTÍSTICO?
El mundo cambia y la manera de ver el dibujo artístico, también. Que las nuevas tecnologías hayan irrumpido con fuerza en todos los sectores, incluido éste que nos afecta, no significa que sea un lastre para este tipo de dibujo, al contrario, permite una nueva forma de concebirlo.
A pesar de que el dibujo haya tenido una evolución a lo largo del tiempo, sigue siendo un lenguaje universal que es totalmente necesario para la vida cotidiana y los elementos que más nos pueden llamar la atención son aquellos cuya imagen, y por tanto el mensaje que transmite su dibujo, es el más llamativo.
El dibujo artístico ya no se observa sólo como arte o como estética que se realiza a mano por maestros y artistas. La entrada de las nuevas tecnologías hace que el abanico de posibilidades de observación de este tipo de dibujo sea mayor: publicidad, imagen, infografías, etc. donde se muestra la capacidad de creación de la gente, muchas veces anónima, que realiza verdaderas obras de arte mediante el dibujo realizado por ordenador.
Esto quiere decir que las nuevas tecnologías han ayudado a que el dibujo artístico también se actualice, se impulse y sea acorde con el mundo en el que vivimos, sin desechar en ningún momento en tipo de dibujo que se realizaba antes de la entrada de las nuevas herramientas de dibujo. Son dibujos artísticos distintos de épocas totalmente diferentes.
No se puede prescindir del lenguaje fruto del dibujo del tipo artístico, técnico ni de ninguno en general. Forma parte de nosotros y es que cada vez es más importante en esta sociedad conseguir poner en práctica el dicho de que “una imagen vale más que mil palabras”.
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DISEÑANDO PARA LA EDUCACIÓN
Es evidente que la tecnología forma parte de nuestras vidas ya de forma casi inherente. Las generaciones actuales no conciben una sociedad sin el potencial que ofrece la tecnología. Pero su puesta en escena requiere de un proceso de enseñanza previo al diseño de esta tecnología vinculada a que la pueda observar y visualizar un determinado público o la gente, en general. No todo vale y hay que saber cómo diseñar un producto vía virtual para que el usuario consiga tener una interactuación con él, mantenga su atención y se interese en él. Eso no se logra sin un conocimiento previo por parte de la persona que el elabora, por ejemplo, un portal web para vender un cierto producto. Por ello, se necesita una formación de cómo funciona el usuario, su mentalidad, sus reacciones, etc. a la hora de qué pasa cuando éste ve su producto, su web o su sitio virtual, en definitiva, y cómo hacer para que se interese aún más en él.
Por suerte o por desgracia el diseño tecnológico es relativamente novedoso y, en comparación con otros campos, apenas se ha podido profundizar en cómo funciona la mente humana con respecto al diseño virtual. En cambio, el aprendizaje del comportamiento humando frente al diseño de un producto analógico sí que está muy estudiado. Lo que se hace es apoyarse en los principios del diseño analógico para tomarlos como punto de partida del diseño virtual y adaptarlos a estas nuevas tecnologías. De nuevo aprender y comprender el pasado sirve para abrir las puertas del futuro.
Es necesario estudiar la composición, las funciones elementales como la usabilidad o la habitabilidad, la funcionalidad de los objetos, cómo los concibe el usuario, su percepción, los colores, las reacciones que transmite… en definitiva, todo lo que afecta a quien observa y usa un producto en un contexto analógico y físico para poder extrapolarlo al mundo virtual. No tiene sentido partir de cero sin principios básicos por ser un tema novedoso y no tener en cuenta lo que se ha hecho antes sin usar referencias que se asemejen en su totalidad. Es cuestión de aplicar y amoldar los criterios que definen los principios básicos del diseño analógico al nuevo diseño virtual para conseguir los mismos logros que el analógico ha ido adquiriendo con el tiempo, pero esta vez, un el mundo virtual.
Y todo ello requiere una enseñanza, una educación y un aprendizaje. Nadie nace sabiendo. Algunas personas parece que tienen ciertas habilidades de forma innata pero la formación y aprender de quien ya ha desarrollado estos objetivos específicos en este campo es crucial para seguir avanzando y el diseño no es algo ajeno a todo esto. Es necesaria la educación y aprender del diseño analógico para poder incorporarlo a las nuevas tecnologías y de ahí seguir avanzando en la creación de nuevos modelos de diseño virtuales que puedan servir, a su vez, para la educación de las próximas formas de diseño del futuro.
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